Müchen, 25.05.13.   Sie ist noch nicht ganz Mitte 20, singt aber, als ob sie schon alles gesehen, alles erlebt hätte, ohne mit erhobenem Zeigefinger dazustehen oder belehren zu wollen.

Irma, gebürtig aus Kamerun, aufgewachsen in Frankreich, ist Vollblutmusikerin ohne “Nerd-Alert”. Ihre Stimme ist weich, sanft, leise, aber ergreifend und durchdringend. Sie braucht keine lauten Töne, um ihr Publikum zu erreichen. Sie brilliert mit ruhigen Gitarrensounds, die sie mit ihrer Loop-Station auf die Bühne bringt.

Ohne viel zu reden, sagt sie viel mit ihren Texten, übermittelt eine Nachricht und singt für die Zuschauer. Keine Spur von großem Getöse oder einer überkandidelten Show. Natürlich und ungeschminkt, ehrlich und sehr erwachsen präsentiert sich die Sängerin an diesem Abend im Ampere.

“Their Truth” kommt beim Publikum ebenso gut an wie “Love You” oder “Letter to the Lord” von ihrem im März erschienenen Album “Letter To The Lord”. Es sind keine typischen, radio-tauglichen Songs, sondern Lieder, welche unter die Haut gehen und das Konzert zu einem besonderen machen. Es reicht heutzutage nicht mehr, eine gute Stimme zu haben, denn eine solche haben viele. Es kommt darauf an, wie besonders diese Stimme eingesetzt wird. Zauberhafte und wundervolle Momente werden kreiert, wenn man das Gefühl hat, dass die Welt um einen rum stehen geblieben ist und man für ein paar Augenblicke nicht mehr an morgen denken muss.

Irma schafft mit ihrer Musik eine besondere Klangkulisse – nicht zuletzt deshalb, weil sie eine außergewöhnlich gute Stimme hat, sondern weil sie weiß, auch die ruhigen Momente in Szene zu setzen und eine Stille zu erzeugen, welche dennoch mit Musik gefüllt ist. Eine Stille, in der man sich aufgehoben fühlt. Aufgehoben und  angekommen. Es ist die Wärme in ihrer Stimme, eine Reife, die ihresgleichen sucht und die man so oft nicht findet.

Leise Gitarrenklänge, die im Singer-Songwriter-Genre zuweilen zu viel eingesetzt sind, oft gleich oder irgendwann einfach nur noch nach Kopien klingen. Doch Irma verzaubert ihr Publikum mit Gitarre und Klavier und hinterlässt ein sanftes Gefühl von echter Musik, Melodien, welche ins Ohr gehen und Klängen, die nicht basslastig eine Ganzkörpermassage bieten.

An diesem ‚November-Frühlingsabend’ finden die Besucher des Amperes in Irma genau die richtige Sängerin, welche mit schmeichelhafter, schöner und graziler Stimme einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Gespannt warten wir auf ihr nächstes Album, an welchem sie gerade arbeitet.(A.E.)

Fotos IRMA Ampere München

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MAKESHIFT INNOCENCE spielen am 25. Mai live auf der Berliner Fanmeile! Der Top-Act aus Kanada präsentiert in Berlin bereits einen Vorgeschmack auf ihre „Yours to keep“-Tour zum gleichnamigen Album (DEAG MUSIC). 

Karten für die von DEAG Concerts präsentierten Konzerte gibt es unter 01805 – 969 000 555 (14ct/min, z.B. Dt. Telekom, Mobilfunkpreise max. 42ct/min), im Internet unter www.ticketmaster.de und www.deag.de sowie an allen bekannten Vorverkaufstellen. 

Am Samstagabend kocht die Stimmung nicht nur im Wembley-Stadion. MAKESHIFT INNOCENCE heizen den deutschen Fußballfreunden auf der Fanmeile ein und bringen mit ihrem lässigen Sommer-Groove das perfekte Gute-Laune-Feeling auf die Bühne. In ihrem Sound verbinden die Kanadier unterschiedlichste Elemente und schlagen so, genau wie der Fußball, eine Brücke zwischen den verschiedensten Teilen der Welt. Ihre rockig mitreißenden Jamaika-Klänge lassen bei jedem Wetter die Sonne aufgehen und sind für die Ohren schon der Siegtreffer, bevor die Entscheidung zum Champions-League Gewinner in London fällt. 

Frontmann Jesse James Cameron, der in Kanada zu den besten Liveacts des Landes gehört und dessen Konzerte schon seit Jahren ausverkauft sind, verspricht: „We make penguins fly…!“ Erleben Sie fliegende Pinguine auf der Berliner Fanmeile und bei der Live-Übertragung des ZDFs sowie bei den weiteren Konzerten von MAKESHIFT INNOCENCE in Deutschland! 

In Kanada gelten MAKESHIFT INNOCENCE um Sänger Jesse James Cameron und Bassistin Tammy Amstutz bereits als einer der besten Liveacts. Nur ein Grund warum in Kanada seit 2010 beinahe jede Show der Band ausverkauft ist. Auch in fast jeder US amerikanischen Großstadt begeisterten sie letztes Jahr auf ihrer Tour das Publikum mit ihrem einzigartigen Roots – Rock – Reggae – Sound. Im Mai und Juni kommen sie endlich nach Deutschland! 

Mit „Yours To Keep“, dem Album zur Tour, bringen MAKESHIFT INNOCENCE den Soundtrack des Sommers 2013 nach Deutschland. Es darf getanzt werden! 

Tournee-Termine

26.05.2013 Hamburg – Ü&G

27.05.2013 Köln – Club Bahnhof Ehrenfeld

28.05.2013 Aschaffenburg – Colos-Saal

29.05.2013 Mannheim – Alte Seilerei

31.05.2013 Freiburg – Schmitz Katze

01.06.2013 Sonthofen – Benders/Barfly

02.06.2013 Pfaffenhofen – Fiddler´s Green

03.06.2013 Nürnberg – Hirsch

04.06.2013 Stuttgart – Keller Klub

05.06.2013 München – Ampere

07.06.2013 Dresden – Beatpol

08.06.2013 Ibbenbüren – Jam Café

09.06.2013 Lübeck – Rider’s Café

10.06.2013 Berlin – BiNuu

12.06.2013 Dortmund – FZW

quelle: BRAINSTORM MUSIC MARKETING AG

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Seit 15. Mai ist PULS, das neue junge Programm des Bayerischen Rundfunks, auf Sendung. Am 24. Mai veröffentlichen die Sportfreunde Stiller ihr sechstes Studioalbum. Das sind zwei Gründe zum Feiern. PULS hat das fast Unmögliche geschafft: die fußballfanatischen Sportfreunde Stiller am 25. Mai, dem Tag des Champions-League-Finalspiels, zu einem exklusiven Konzert auf die Bühne im BR-Funkhaus in München zu bekommen.

Einzige Bedingung der Sportis: Das Konzert muss pünktlich zum Anpfiff zu Ende sein. Daher beginnt es schon um 19.00 Uhr. Danach geht es im BR mit den Sportis zum gemeinsamen Mitfiebern beim Champions-League-Finale – natürlich auf Großbildleinwand in Biergartenatmosphäre. Tickets für dieses besondere Event gibt es nirgendwo zu kaufen, nur bei PULS zu gewinnen. 

Release-Konzert

Sie sind die bayerischen Musik-Exportschlager schlechthin und weit über die Landesgrenzen hinaus bekannt: die Sportfreunde Stiller. Am 24. Mai veröffentlichen sie ihr sechstes Studioalbum „New York, Rio, Rosenheim“. Die meisten Termine der begleitenden Tour sind bereits ausverkauft. Pünktlich zum Release präsentiert nun PULS die Band in intimem Rahmen.

Tickets bei PULS zu gewinnen

Nicht erst seit ihrem Nummer-eins-Hit „54, 74, 90, 2006″ fühlen sich die Sportfreunde Stiller dem jungen Programm des Bayerischen Rundfunks eng verbunden. Seit 2011 moderiert Sportis-Drummer Flo Weber „Die Sportflo Show“ im jungen Programm des BR – jeden ersten Sonntag im Monat von 20.00-22.00 Uhr und jeden ersten Mittwoch von 22.00-0.00 Uhr. PULS verlost nun 350 Karten an Fans: Einfach ein Audio oder Video über die deinPULS-App schicken und erzählen, was den eigenen PULS höher schlagen lässt. Die Gewinner erwartet ein exklusives Konzert mit anschließendem Fußball-Abend.

Champions-League-Finale: Private-Public-Viewing im BR mit Sportfreunde Stiller

Je nach Wetterlage verwandelt sich entweder der Innenhof oder das Palisander-Foyer des BR-Funkhauses in eine Private-Public-Viewing-Location zum Champions-League-Final-Krimi zwischen dem FC Bayern und Borussia Dortmund. Das Beste daran: Die Sportfreunde Stiller schauen mit.

Das exklusive Konzert sehen und hören – auch ohne Karten

Wer keine Karten gewonnen hat, kann das Event trotzdem verfolgen. Das Konzert wird live ab 19.00 Uhr bei PULS im Radio und auch als Video-Livestream auf deinpuls.de übertragen. Ein 60-minütiger Konzertmitschnitt läuft in der Nacht von Freitag auf Samstag, 1. Juni 2013, von 0:40 bis 1:40 Uhr im Bayerischen Fernsehen.

Wer in Zukunft keine Verlosung oder exklusives Event verpassen will, einfach Freund von PULS werden, PULS liken und folgen – facebook.com/PULS.

quelle: Bayerischer Rundfunk

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Seit 2011 auch als Juror bei The Voice Of Germany dabei und somit im Unterhaltungsmedium TV vertreten, ist er aus der Musikwelt nicht mehr wegzudenken. Er ist ein Stehaufmännchen, die Raupe Nimmersatt der deutschen Musikszene und kann auch im Jahr 2013 nicht stillhalten und lässt gleich mit zwei Alben von sich hören.

Als „Der Xer“ brachte er Anfang März ein Dubstep-Album auf den Markt, auf dem es gewohnte Xavier Naidoo-Texte und Musik gemixt mit Dubstep-Drops und basslastigen Beats auf die Ohren gab. Ende Mai kommt nun der nächste musikalische Clou aus dem Hause Xavier Naidoo.

Was gibt es über das Album zu sagen? Voller Erwartung fängt man also an zu hören, schließt eventuell die Augen und lässt sich auf die Musik ein. Texte und Melodien kommen einem bekannt vor, sie sind nach wie vor eingängig und finden in ihrer Lyrik ihre Höhepunkte. Warum es gleich zwei Alben hintereinander sein mussten, bleibt fraglich. Es wäre vielleicht besser gewesen, hätte er sich für „Bei meiner Seele“ etwas mehr Zeit gelassen, denn so hätten Songs wie „Junge“ den Weg nicht auf die Platte gefunden.

Und damit wären wir auch schon beim Hauptkritikpunkt angelangt. „Junge“. Ein Titel, der einem vage bekannt vorkommt. Vor einigen Jahren hat nämlich eine bekannte Band, deren Name an Götter in Weiß erinnert, einen Song auf den Markt gebracht, der genau den gleichen Titel trägt. Der Text legte eine Kritik an der heutigen Jugend vor, die ihresgleichen sucht. Beinahe ein wenig besserwisserisch, über viele Dinge erhaben, mit erhobenem Zeigefinger mahnend, aber in der Endsumme keineswegs ernst zu nehmen. Ja, die Ärzte haben sich damit quasi selbst sarkastisch beschrieben. Das, was Xavier Naidoo nun als Cover von „Junge“ auf sein Album gebracht hat, darf er nicht ernst meinen. Falls er es dennoch tut, setzt hier der gesunde Menschenverstand schlichtweg aus. Wenn es sein eigenes Lied gewesen wäre, könnte man es noch für interessant durchgehen lassen. Doch hier bekommt es einen wehleidigen, mitleidigen und rechthaberischen Charakter, der die Kernaussage vollkommen zerstört. Ursprünglich als Parodie auf ihre eigene Jugend zu verstehen, scheint sich Xavier Naidoo mit diesem Song als Gutmensch über alles zu stellen und mitleidig-traurig mit der Moralkeule dazustehen und zu sagen: „Junge, du hast dir dein Leben komplett zerstört.“ Man möchte hingehen, ihm das Mikrophon entreißen und laut „Stopp!“ brüllen. Man kommt nicht umhin, sich zu fragen, ob dem Sänger an dieser Stelle nichts mehr eingefallen ist oder ob es wirklich genau dieser Titel sein musste, den er gecovert hat. Andere Songs hätten sich in einem seiner typischen Arrangements besser wiedergefunden und wären sicherlich nicht lächerlich geworden. Denn eigentlich kann er es ja, der Xavier. Mit dem Cover von „Junge“ hat er sich selbst keinen Gefallen getan.

„Autonarr“ fängt mit Reggae-Beats an und macht Hoffnungen auf einen wirklich guten Song. Xavier Naidoo hat in dieses Album sehr viel Persönliches gelegt, zeigt sehr viel von sich selbst, besonders auch in diesem Song. Doch schon nach wenigen Takten ist man geneigt, auch bei diesem Track einfach weiter zu schalten und auf etwas Besseres zu hoffen.

Wenn ein solches Lied, das davon handelt, warum der Erzähler so gerne Auto fährt und im Auto seinen Gedanken nachhängen kann, von einem anderen Sänger als Xavier Naidoo geschrieben worden wäre, würde dieser jemand seine Karriere an den Nagel hängen können. Hier stellt sich die Frage, wo Naidoo texten gelernt hat oder ob es ihm einfach egal war, was auf „Bei meiner Seele“ gemixt wird. Mit „Autonarr“ handelt es sich um einen Text ohne Substanz und Tiefe, was ihm eigentlich gar nicht ähnlich sieht – obwohl der Albumtitel schon sehr viel verspricht und nicht gerade nach einem Understatement klingt.

Der Titelsong klingt nach Jazz-Medleys, tanzbaren Aufs und Abs, orchestrale Passagen peppen den Song auf, ein Du wird schnell gefunden, welches mit liebevollen und bekannt herzlichen Texten Naidoos angesprochen wird.

„Hört, hört“ hält einmal mehr Texte bereit, welche man Xavier Naidoo gleich wieder um die Ohren hauen möchte. „Meine Stimme hat manche betört, meine Texte haben viele verstört; ich hielt  den Stift, doch lag es auch in meiner Hand. Meine Lieder haben viele gehört, wahrscheinlich hab’ ich aber viele verstört. Ich schrieb aus vollem Herzen Sätze mit dem Verstand.“ Dass hier die Vergangenheitsform benutzt wird, ist wohl intuitiv schon sehr richtig gewesen. Dies kann man leider nicht über die Gegenwart sagen, in der solche Songs den Weg an die Öffentlichkeit finden werden.

Nur, weil man einen (unterhaltuns-)medialen Aufschwung in seiner eigenen Karriere erlebt, heißt das nicht per se, dass man sich alles erlauben darf. Xavier Naidoo hat das wohl anders gesehen und die Welt mit „Bei meiner Seele“ um ein weiteres unnötiges Album reicher gemacht.

„Stell dir vor, es ist Kunst“ singt er in „Das Aufgebot“. Ja, auch die Hörer des Albums sollten sich besser mit sehr viel Fantasie vorstellen, dass das, was sie auf dieser Platte hören, Kunst ist. Denn es gleicht einem Abklatsch alter Melodien und aufgewärmter Texte. Stimmlich ist es ein Xavier Naidoo, den man gewöhnt ist, den man kennt. Doch leider gleicht die Musik des Albums eher einem halbherzigen Versuch, an alte Erfolge anzuknüpfen. Es ist wie ein Einkaufszettel, den man zwischen Tür und Angel geschrieben hat, um für das Wochenende noch etwas Anderes außer Senf und Marmelade im Kühlschrank zu haben. Mit Butter, Käse und einer Gurke kommt man dann wieder.

Ironisch wird es in seinen Texten leider auch. „Alles nur Phrasen für dich, die Wahrheit gehört auf den Tisch“. So singt er in „Phrasen für Dich“. Ironisch ist er jedoch nicht gemeint, der Text. Er wirkt nur ironisch, je länger man sich das Album anhört, denn genauso wirken seine Texte gepaart mit den Melodien hier: Wie Phrasen, die zusammen mit der Melodie einfach vor sich hinplätschern und keinerlei Aussagekraft besitzen. Die Wahrheit, die hier auf den Tisch kommt, ist leider sehr unschön. Denn sie ist kritisch und ja, auch harsch. Xavier Naidoo, der so viel Potenzial hat, verschenkt eben dieses hier sehr leichtfertig und hat ein Album „gebastelt“, welches von einem Anfänger hätte gesungen sein können. Oder von jemandem, der aufgehört hat, sein eigenes Ding zu machen, um lediglich Geld zu verdienen, indem eine Platte nach der nächsten produziert wird.

Bei den Zeilen „Geist ist geil, denn er macht deine Seele heil“ bekommt Fremdschämen direkt neue Dimensionen. Werbephrasen bekannter deutscher Konzerne gepaart mit Intellektualität und Glauben? Ist es das, was der deutschen Musik zwischen Bushido, Haftbefehl, den Toten Hosen und Lena Meyer-Landrut noch gefehlt hat? Man wünscht sich seit einiger Zeit ein wenig mehr Pep, ein wenig mehr Abwechslung in den schnöden Charts-Alltag. Und was bekommt man? Ein Album, welches gut hätte werden können, das aber durch und durch enttäuscht. Melodien, die auf-und abwärts verlaufen, ein wenig Reggae, ein ganz klein wenig Sprechgesang. Ein Fehlschlag auf ganzer Linie, könnte man meinen, wenn man es noch freundlich und möglichst objektiv versucht, zu formulieren.

Mit Enttäuschung und auch irgendwie wütend macht man die Augen nach dem Hören wieder auf, beinahe fassungslos darüber, dass der Musiker, der die deutsche Soul-Szene beinahe revolutioniert hat, ein Album kreiert hat, welches so ernüchternd ist. Man könnte meinen, Herr Naidoo hätte sich keinerlei Gedanken um diese Komposition der Titel gemacht, die es auf „Bei meiner Seele“ zu hören gibt. Auffällig oft hat er es bei Teilnehmern von The Voice Of Germany betont und erwartet: Die leisen Töne. Er wollte leise Töne hören und legte Wert auf Sensibilität in der Musik. Er selbst scheint sich diese Worte nicht allzu sehr zu Herzen genommen zu haben, tönen die Songs schnöde und in einer oft stetigen Lautstärke dahin. Er würde wohl als sein eigener Kandidat durchfallen. Zumindest bei The Voice Of Germany. Und somit bleibt „Junge“ wohl noch der beste Song auf dem Album. Weil der Text der beste ist.

Die anderen Songs wie „Der letzte Blick“ oder „Das Aufgebot“ klingen soulig, poppig und wie immer, nur, dass das Zauberhafte, das Xavier Naidoo bisher immer geschafft hat, in seine Musik zu legen, hier vollständig zu fehlen scheint. Stimmlich zwar grandios in das Genre des Souls passend, hat man das Gefühl, dass es ihm ein wenig schwer fällt, sich in seiner Musik wirklich zu entfalten, obwohl dieses Album ja doch etwas sehr Persönliches darstellen sollte. Gerade hier wäre die Möglichkeit gewesen, zu zeigen, was es einem vor allem musikalisch bedeutet, ein solches Werk zu kreieren.

„So schön wie früher wird’s nie mehr“. Er singt es selbst in „So schön wie früher“ und man möchte beinahe mit einem zynischen „Stimmt, früher war’s auch bei dir besser“ reagieren.

Leere Worte gepaart mit leerer Musik, die man meint, schon zig Mal gehört zu haben. Es lässt sich keine Weiterentwicklung erkennen, welche man bei einem Künstler diesen Ranges eigentlich erwarten würde. So geht es weiter, bis nach 12 Songs nochmals eine Version von „Bei meiner Seele“ erklingt, die ein wenig sanfter wirkt, ein wenig instrumentaler, beinahe orchestraler, theatralischer, pathetischer. Ein würdiger Abschluss? Wohl kaum.

Die erwähnte Wahrheit, die hier auf den Tisch gemusst hätte, wäre besser von einem seiner Produzenten gekommen, die Herrn Naidoo ehrlich gesagt hätten „Xavier, denk nochmal ein wenig drüber nach und warte noch ein bisschen, bis du das Album veröffentlichst. Wir können da noch ein wenig dran arbeiten.“ Leider wurde diese Chance versäumt und nun liegt „Bei meiner Seele“ also bald in den Plattenläden. Gekauft werden kann das Album ab dem 31. Mai bei iTunes und Amazon oder im Plattenladen eures Vertrauens.(A.E.)

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Auf dem Coubertinplatz werden auch dieses Jahr wieder knapp 17.000 ENERGY-Hörer erwartet, die zu nationalen und internationalen Top-Acts den Olympiapark rocken werden. Die Tickets für ENERGY IN THE PARK 2013 in München, dem größten Radio-Open Air-Festival der bayerischen Landeshauptstadt, gibt es ab sofort für 20 Euro zzgl. Gebühren an allen bekannten Vorverkaufstellen und auf www.muenchenticket.de.

Jeder, der diese riesige Sommerparty, die wieder vom ENERGY Toastshow-Team Malte & Dani moderiert wird, miterleben will, sollte sich rechtzeitig Tickets sichern, denn im letzten Jahr war das Event frühzeitig ausverkauft.

Die Acts werden in den nächsten Wochen bekanntgegeben.

Fotos ENERGY IN THE PARK 2012

quelle:

ENERGY MÜNCHEN -

Radio 93,3 MHz München GmbH

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Dass die Verantwortlichen des Festivals (Thomas Lechner und Klaus Joelsen) auch in diesem Jahr wieder ein sehr gutes Gespür für den Geschmack der Besucher bewiesen haben, zeigte sich in der Auswahl und bunten Mischung der Bands.

Der Samstag stand ganz im Zeichen des Elektropop, die Sonne schien und die Besucher fanden sich zahlreich und trotz der Konkurrenz-Veranstaltungen Bon Jovi und Pink in Olympiastadion- und Halle vor der Bühne am See ein.

An diesem ersten Festivaltag traten Boy Android, Lary, Conquering Animal Sound, Jim Fletch, Tonwertkorrektur und Sarah Neufeld auf. Eine gelungener Mix aus Elektropop, Post-Pop, experimentelleren Klängen und Avantgarde. Das Publikum, noch in voller Picknick-Laune an diesem sonnigen Tag, war begeistert und ging mit. Highlight an diesem Tag waren definitiv Lary mit ihrer außergewöhnlichen Stimme, welche auch bei der kommenden Startrampe dabei sein wird, Tonwertkorrektur und Sarah Neufeld, welche mit ihrem Geigenspiel mehr als beeindruckte, indem sie mehrere Seiten scheinbar mühelos gleichzeitig spielte und dabei Brillanz, Musikalität und technisches Können bewies.

Graue Wolken schienen den Sonntag zu überschatten, es regnete und die Temperaturen lagen bei gefühlten Minusgraden. Doch all diese Faktoren schienen die Besucher nicht abzuschrecken, den Weg in den Olympiapark zu finden und sich trotz partiellem Regen und Kälte hinzusetzen und den musikalischen Klängen zu lauschen. Kurz entschlossen wurde von den Organisatoren an alle „Durchhalter“ eine heiße Suppe spendiert.

Es wurde etwas Indielastiger und Rockiger. Angefangen hat Paper Beat Scissors aus Kanada mit einer Mischung aus Folk und Rock und wusste, das frierende Publikum zum Tanzen zu animieren.

Das Wetter wurde besser und die Zuschauer „tauten“ auf. Gender Bombs haben mit Manual Kant getauscht, sodass die Landshuter die Bühne rocken konnten. Manual Kant brachten Indierock vom Feinsten mit und wurden von den grandiosen Larry And His Flask aus Kanada abgelöst, welche dem schlechten Wetter trotzten und einfach nur Party machten. Direkt vor der Bühne tanzten die Besucher ausgelassen zu den Folk-Punk-Klängen, welche ab und zu an eine schnellere Version von Mumford&Sons erinnerten. Definitiv DAS Highlight an diesem grauen Sonntag.

Mit Karo aus Würzburg trat eine Sängerin auf, welche nicht zum ersten Mal beim Theatron dabei war. Mit einer Stimme, welche gleichzeitig zart und durchdringend ist und welche die Texte unter die Haut gehen lässt, kam Karo mit ihrer Band hervorragend beim Publikum an.

Der letzte Act für diesen Abend, Chuckamuck aus Berlin, schien sich die Sonne schon selbst gebastelt zu haben. Etwas „verstrahlt“ betrat die Band die Bühne, schaffte es aber dennoch, den Sonntag abzurunden.

Der Montag brachte wieder besseres Wetter und somit auch wieder mehr Besucher mit sich. Der dritte und letzte Festivaltag bot mit weiteren fünf Bands einen krönenden Abschluss mit Indie-und Folk-Musik.

Well Well Well machten den Anfang, da gab es Indie pur auf die Ohren. Gleich gefolgt von Paper&Places aus Regensburg und Gender Bombs aus München, erfreute sich das Publikum an einer ganz besonderen Mischung an Pop, Indie und Rock. Paper&Places, die ein wenig wie Placebo klangen, erspielten sich, ebenso wie Gender Bombs, in den 45 Minuten ihrer Show sicherlich ein paar weitere Fans.

Großartig, künstlerisch, anders. Oy aus Ghana und der Schweiz sind eine andere Art von Musik. Musik, die unter die Haut geht, Musik, die bewegt, auch, wenn sie beim ersten Hören gar nicht danach klingen mag. Stimmlich zwischen Sprechgesang, traditionellen afrikanischen Klängen, Soul und Pop, bewies die Sängerin Joy Frempong ein unglaubliches Gespür für das Unkonventionelle, Neue, Interessante. Die Menschen tanzten ausgelassen und gingen mit der Musik mit.

Als Abschluss des gesamten Festivals trat Karin Park aus Schweden auf. Eine Künstlerin, welche durchaus Bekanntheitsgrad erlangt hat und welche sich stimmlich zwischen Größen wie Björk, Karin Dreijer-Andersson und Robyn bewegt. Elektro-Pop und den erster Güte.

Was bleibt zu sagen außer „Danke, dass es auch dieses Jahr möglich war, ein solches Festival zu organisieren und zu realisieren“? Besonderer Dank geht auch an Thomas Lechner und Klaus Joelsen, welche hauptverantwortlich für den Erfolg dieses Festivals sind.

Und hier noch die gute Nachricht zum Schluss: Der Vertrag wurde ja bereits letztes Jahr verlängert und somit wird es das Theatron Pfingstfestival auch noch mindestens bis 2015 geben. Da sagen wir mal ganz frech: Auf die nächsten 15 Jahre!(A.E.)

Fotos Theatron Pfingst Festival: Tag 1  -  Tag 2  -  Tag 3

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In diesem Zusammenhang kann der Titel als Leitthema des Albums und auch als eine Art Mantra angesehen werden, was unsere ausufernde Konsumkultur in Kürze umschreibt und auf zynische und  ironische Weise kritisiert. Somit wagt die Band gleich auf den ersten Blick ein politisches Understatement, welches auch in ihrer Musik und vor allem in ihren Texten sein Pendant findet. Wie schon von der Band bereits angekündigt, sollen wieder mehrere Musikstile in diesem Album auftauchen, ähnlich zu ihren vorangegangenen Alben, in denen sie ihren selbst ernannten Stil Gyp-Hop als Konglomerat aus mehreren Musikrichtungen ansehen. In diesem Falle würde die Palette von Reggae über harte Rockklänge bis hin zu Dubstep reichen, welche mit Rap-Einlagen angereichert werden. Dies sind sehr gegensätzliche Musikrichtungen, die aber in den Händen von den Ohrbooten zu einem guten Klangmix zusammengestellt werden.

Der erste Titel „Urwald“ deckt schon zwei wesentliche musikalische Stile ab. Reggae wird mit rockigen, sphärischen Gitarrenklängen vermischt. Hier steht das Motto „Die Evolution fängt wieder zu träumen an“ im Vordergrund, welches im Refrain in eine lockere Melodie verpackt wird, in die man sich schnell einfindet und nach einmaligem Hören schon mitsingen kann. In diesem Song holt sich die Natur nach und nach ihren Lebensraum zurück und die Stadtmetropole wird vom Häuserdschungel zum Bäumedschungel. Hierbei findet die Band so plastische Beschreibungen, dass man denkt, der Boden unter einem fängt gerade an, Pflanzen wachsen zu lassen.

Mit dem zweiten Titel „Models“ trifft Berliner Schnauze auf Klänge, die einen sofort an Seeed erinnern. Bei diesem Song wird auf zynisch-ironisierende Weise gegen den Beauty-und Mode-Wahn unserer Generation gewettert. Magermodels sollen mit Massen an Pizza, Döner, Milchshakes und „Badewannen voll Öl“ wieder aufgeputscht werden. Hier schaffen es die Ohrbooten wieder, eingängige Reggaebeats mit Rap im Berliner Slang zu mischen.

Der Titelsong „Alles für Alle“ ist die dritte und erste rein elektronische Nummer des Albums. Hierbei tauchen zum ersten Mal Technobeats auf, die mit Dubstepelementen vermischt werden. Dieses Stück stellt die schnellste Nummer im gesamten Album dar und beschreibt, wie man als moderner Robin Hood in unserer heutigen Gesellschaft seinen Alltag bestreitet. Dabei kann die Nummer auch als wütende Reaktion auf die finanzielle Krise angesehen werden, mit der jeder Einzelne zu kämpfen hat. Die Verwendung von Dubstep-Drops und harten Technobeats unterstreicht sehr gut die aufgebrachte Stimmung, die uns von Sänger Ben Pavlidis mit dem Refrain entgegen gerufen werden. „36 Grad“ ist ein kurzweiliger Song, der sehr schön mit warmen Reggaebeats einen heißen Sommertag in Berlin beschreibt. Sommer, Sonne und „gude Laune“ sind das Credo, das von den Ohrbooten vermittelt wird.

Die fünfte Nummer „Punk is Dad“ ist eine starke und fetzige Elektro-Rock-Komposition. Hierbei wird unsere profillose Konsumkultur angeprangert, die in Form von Hipsters und Bubble Tea in dem Song beschrieben wird. Dabei sehnt sich der Sänger nach „Punks, Freaks und Assis“, die wieder klare politische Aktionen machen und Hausbesetzung als normaler Wohnstandard gilt. Leider muss er feststellen, dass der damalige Punk heute auch angepasst und vernünftig geworden ist. Mit dem Spruch „Punk is Dad“, was man auch als „Punk is dead“ hören kann, verdeutlichen uns die Ohrbooten, dass der Punk längst zu Grabe getragen wurde und man sich nur noch durch Konsum anstatt politischen Haltungen definiert. Die Ohrbooten schaffen es wunderbar, mit diesem Song die kulturellen Missstände unserer Gesellschaft in einer elektrischen Rock ‘n’ Polka-Version aufzuzeigen.

„Blau“ ist die erste schwächere Kreation der Band, die wieder Reggae als musikalischen Rahmen hat. Der Song plätschert eher vor sich hin und zeigt keine große musikalische oder textliche bzw. inhaltliche Abwechslung, sondern läuft eher linear daher. Der siebte Track des Albums mit dem Titel „Wackelkontakt“ ist die bisher musikalisch interessanteste Nummer und hat starken Ohrwurmcharakter. Die Band schafft eine sich wiederholende Rhythmuspartie, die den Wackelkontakt des beschriebenen Roboters auf der Tanzfläche symbolisieren soll. Dabei überträgt sich dieser rhythmische Wackelkontakt auch auf den Hörer, sodass dieser in diesem ganz besonderen Takt mittanzen und mitwippen muss.

„Zwei Joints“ stellt die erste klare Mischung aus Reggae und Rock dar, die sich zu einem hybriden Klang vereint. Der Text hat zwar keinen inhaltlichen Tiefgang wie bei den vorangegangenen Songs  „Alles für Alle“ oder „Punk is Dad“, aber bietet auch hier wieder einen eingängigen Sound, wo man als Hörer mitschaukeln kann. Der Titel „Dreckiger Job“ beschreibt mehrere Berufsfelder, die für den einen oder anderen als lästige Tätigkeit eingestuft werden, aber dennoch „muss ihn einer machen“. Hierbei werden Reggae-Bassbeats mit Rockklängen (im Refrain) gepaart. „Krise“ sind wohltuende, entspannte Reggaeklänge mit lockerem Gesang, hier wieder mit Berliner Slang gepaart. Hierbei steht der Text auf den ersten Blick bzw. das erste Hören im Kontrast zum Sound, den die Band gewählt hat. Bei genauerem Hinhören wird zunächst die finanzielle Krise der Menschen beschrieben, wodurch ein Umdenken der Menschen gefordert ist, welches letztendlich in ein spirituelles, soziales Auf resultiert, da durch die Krise ein Gemeinschaftsgefühl gestiftet wird und letztendlich doch „allet nice, allet easy“ ist. Ein wohltuender Song, der einem die Botschaft vermittelt: „Ey, selbst wenn du mal kein Geld hast – so schlimm ist es nicht und du bist nicht allein.“

Mit „Bestie Bass“ haben die Ohrbooten eine Art Hymne auf den Bassklang geschrieben und mischen hierbei gekonnt schwere Dubstep-Bassbeats mit poppigen Klängen zum Mittanzen.

Der vorletzte Song „Schon OK“ des Albums ist der ruhigste Song und schafft entspannte Klänge mit einer bunten Mischung aus einer Vielzahl von Instrumenten, die sich zu einem wohltuenden Klangteppich zusammenfügen. Der letzte Song „Es geht immer“ ist eine reiner Reggae-Song mit kleineren Elektroklängen. Dabei haben die Ohrbooten einen weitere Kreation, die auch einen starken Ohrwurmcharakter hat.

Zum Abschluss kann man sagen, dass die Ohrbooten mit ihrem Album „Alles für Alle bis Alles Alle ist“ ein insgesamt starkes Album geschaffen mit politischen Texten geschaffen haben. Auch die Mischung aus Reggae, Rock, Elektro und Dubstep geht an vielen Stellen im Album auf und hat viele tanzbare und mitreißende Nummern. Wer also gute Laune Musik mit einigen nachdenklich machenden Texten in Berlinerisch und auch etwas härteren Bassbeats haben will, sollte sich das neue Album der Ohrbooten auf keinen Fall entgehen lassen.

Zu kaufen gibt es das Album ab dem 24. Mai bei allen bekannten Anbietern oder im Plattenladen eures Vertrauens.(M.H.)

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Prinz Pi

Als Co-Headliner werden die drei Wahl-Kölner OK Kid die Bühne zum Beben bringen. Sie kombinieren in ihrer Musik Althergebrachtes mit neuen Einflüssen und Klangwelten und entwickelten so ihre eigene, schnörkellose und ehrliche Sprache des Rap.

Am frühen Abend wird eines der aufregendsten und verheißungsvollsten Talente des deutschen HipHop, Edgar Wasser, die Menge begeistern. Mit seinem feingeistigen und ironischen Rap wird er von den Medien als „nächstes großes Ding“ gefeiert.

Das Deutschrapkollektiv von eRRdeKa und seiner Crew Eyeslow will zeigen, dass HipHop nicht nur von dicken Schlitten, fetten Klunkern und Gangster-Gehabe handeln kann.

Bbou & Liquid spiegeln in ihrem bayerischen Rap ihre „Mia san Mia“-Attitude wider wie niemand sonst.

Dem musikalischen Zeitgeist verdächtig nahe gekommen sind Exclusive mit ihrem neuen Album „Nachtmensch“. Die Münchner arbeiten mit schweren Bässen, glasklaren Gitarren, deutschen Texten und pulsierenden Beats.

Die vier Künstler von Blind Freddy mischen Energie, Leidenschaft und pausenlose Dance-Beats; so haben sie sich schon längst mitten in die deutsche Indie-Szene gespielt.

Eröffnet wird das OBEN OHNE von Manhattan Project, die mit einer Mischung aus Rock, Alternative und Pop ihr Publikum begeistern.

Das Open Air ist das nicht-kommerzielle Festival der Kreisjugendringe München-Stadt und München-Land. Es bietet Newcomer Bands und jungen Kulturschaffenden eine Plattform, auf der sie sich präsentieren können.

OBEN OHNE Open Air am Samstag, den 20. Juli von 13 bis 22 Uhr

Außengelände der Messe München (Riem)

U2 bis Messestadt Ost

Einlass nur mit Ticket (3 €)

Keine Glasflaschen!

Mehr Infos: www.oben-air.de und www.facebook.com/OBENOHNEOpenAir

Quelle: Kreisjugendring München-Stadt

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Kurz vor ihrem Tourauftakt in Österreich plauderte Stefanie Kloß am Telefon  mit uns über die letzte Tour, den Festival-Sommer, das Tollwood-Festival in München und warum Musik politisch sein kann.

LifeOnStage.Net: Ihr schreibt auf eurer Facebook-Seite, dass ihr euch sehr auf den Sommer freut. 2010 wart ihr auf dem Tollwood-Festival in München. Dieses Jahr seid ihr wieder mit dabei; welche Erinnerungen habt ihr an 2010? 

Stefanie: Es war einfach eine super tolle Stimmung. Dieses Festival geht ja über eine längere Zeit und ich kenne das so jetzt nicht von Sachsen, da gibt es eigentlich nichts Vergleichbares. Das ist an sich schon toll und davon Teil zu sein, ist super. 

LifeOnStage.Net: Der Sommer wird für euch generell aufregend. Euch wird am 21. Juni in Goslar der Paul-Lincke-Ring verliehen, herzlichen Glückwunsch dazu. Was bedeutet das musikalisch für euch? 

Stefanie: Dieser Preis ist eine sehr große Ehre für uns. Den Preis haben schon sehr viele tolle Musiker bekommen wie Peter Maffay, Annette Humpe, gerade auch Leute, die für die deutsche Sprache sehr lange tätig und wichtig sind. Dass wir uns da einreihen dürfen, ist ganz, ganz toll und wir werden da einen sehr vollen Tag haben, viel Musik machen.

Wir haben uns überlegt, ein Konzert zu machen, damit eben auch Geld für einen guten Zweck reinkommt, welches dann für den Verein, der in der Stadt vor allem für die Jugend, die gerne Musik macht, tätig ist, gespendet wird.

LifeOnStage.Net: Ein kleiner Rückblick auf die Himmel auf-Tour. Was war für euch der schönste, was der traurigste Moment? 

Stefanie: Also, der traurigste Moment war natürlich mit Abstand, als es vorbei war. Wir haben zwischendurch auch gemerkt, dass es nicht ganz unanstrengend ist, jeden Abend vor so vielen Leuten zu spielen. Du kommst von der Bühne und bist zum Einen total bereichert durch die vielen Leute und die Stimmung, aber zum Anderen bist du auch irgendwie ausgelaugt, weil du ja in dem Moment den Leuten sehr, sehr viel gegeben hast.

Am letzten Tag der Tour war ich super emotional, habe auch echt Tränen vergossen. Das war die erste Tour, die wir in der Größe gespielt haben und wer weiß, ob wir jemals wieder eine solche Möglichkeit bekommen werden. Demnach haben wir das als etwas ganz Besonderes in unserer Bandgeschichte gewertet. 

Das Schönste an der Tour war, dass wir es in den großen Hallen, in denen sowohl wir als auch die Fans vor der Größe Respekt hatten, geschafft haben, diese Nähe zu behalten. Ich finde, wir haben das mit unserem Team, welches sehr viele schöne und kreative Ideen hatte, sehr gut geschafft, die Songs auf die Bühne zu bringen und dies auch im Bühnenbild umzusetzen. Es war toll, dass wir es geschafft haben, in einer Halle mit 10000 Menschen kurzerhand diese Emotionalität hatten, um die kleinen Moment ganz, ganz groß zu machen.

Auch die vielen tollen Mails, die wir von den Fans bekommen haben, zählen ebenfalls zu den schönen Momenten. Die Erinnerung an die Tour ist durchweg positiv. 

LifeOnStage.Net: Ihr wart vor einigen Tagen bei „Wir sind Kaiser“ zu Besuch (Sendung im ORF, Anm. d. Redaktion). Welche Erwartungen habt ihr an die kommenden Konzerte in Österreich? 

Stefanie: Österreich hatte uns bisher nur sehr wenig; auf der Tour hatten wir es nicht geschafft, einen Termin in den Hallen zu bekommen und da haben wir uns gedacht, dass wir jetzt in der Saison mal vorbeischauen. Wir freuen uns auf die Österreicher. Wir hätten nie gedacht, dass wir auch im deutschsprachigen Ausland die Chance bekommen zu spielen und es ist jedes Mal auf’s Neue faszinierend zu denken „Hey, wir bekommen die Möglichkeit, unsere Musik so weit weg von zu Hause zu spielen“. Die Österreicher machen auch einen sehr entspannten Eindruck, es geht sich immer alles aus und es funktioniert immer alles. Es wird sehr entspannt sein.

In London oder Brüssel zu spielen, war definitiv anders, aber mit Österreich verbindet man ja auch privat schon viele schöne Erinnerungen. Ich denke, Silbermond und Österreich passen sehr gut zusammen. 

LifeOnStage.Net: Kurz, nachdem „Himmel auf“ veröffentlicht wurde, wurden Stimmen laut, dass die Texte zu politisch seien. Wie steht ihr nun, über ein Jahr nach dem Release des Albums, zu dieser Kritik und wie politisch darf Musik sein? 

Stefanie: Musik soll genau das sein, was der Schreiber in dem Moment für richtig hält. Wir sind keine politische Band, aber eine Band, die die Augen offen hält, die guckt, was um sie herum passiert und die sich auch dafür interessiert, was draußen los ist. Vielleicht ist es auch eine Frage des Alters. Ich gebe wirklich zu, dass ich mit Anfang 20 noch anders war, an andere Sachen gedacht habe als jetzt. Da sieht man ja das Leben noch ganz anders und irgendwann mit Ende 20, Anfang 30 fängt man ein bisschen an zu gucken, wo das Leben hingeht, wo möchte ich sein, was will ich im Leben erreichen. Da gehören für mich solche Gedanken auch dazu. Wenn das Einigen zu politisch ist, sage ich „Hey, das ist völlig in Ordnung, ich habe auch keinen Bock, jeden Tag über Politik nachzudenken, deswegen muss man sich nicht jeden Tag politischen Sound anhören.“ Aber es ist eben auch, neben dem emotionalen Teil, ein sehr wichtiger Teil von Silbermond und da gibt es auch solche lauten Momente – über uns, aber eben auch in unserer Musik. Für mich hat sich meine Einstellung zu keinem der Songs geändert; die Platte spiegelt genau das wider, was Silbermond ist und was Silbermond an Gedanken hatte, als das Album geschrieben wurde, deswegen ist es für mich immer noch eine sehr schöne CD. 

LifeOnStage.Net: Ihr sagt immer, dass ihr euch treiben lasst und schaut, was auf euch zukommt. Jetzt stehen ja erstmal eine Menge Festivals und Open Air-Konzerte an. Mit „Himmel auf“ habt ihr das gemacht, worauf ihr Lust hattet. Was steht nach dem Sommer an und worauf habt ihr Lust? 

Stefanie: Auf jeden Fall wollen wir weiterhin das machen, worauf wir Lust haben. Das ist ganz komisch. Manchmal denkt man sich, dass man gefühlt sechs Wochen Urlaub machen könnte, aber dann stellst du nach der ersten Woche schon fest: „Ach, ich langweile mich ja total.“ Dann will man was machen und es kribbelt in den Fingern. Daher ist es sehr schwer, darauf eine Antwort zu finden. Es ist so, dass sich Kreativität nicht beeinflussen lässt und dann ist es eigentlich gut, dass man den Moment, in dem man eine gute Idee hat, nutzen sollte, anstatt das an sich vorbeiziehen zu lassen.

Wir werden einfach machen. Wir werden auf unseren Bauch hören und wenn wir Lust haben, ins Studio zu gehen, machen wir das und wenn wir das Gefühl haben „Ach, noch ein bisschen gucken, wie die Blätter bunter werden im Herbst, ist auch ganz nett“, machen wir das. Wir haben ja auch in den letzten Jahren ganz schön Gas gegeben. Es ist auch schwierig, immer Songs zu schreiben und ich kann mir vorstellen, dass es noch ein wenig dauern kann, bis die nächste Platte kommt, weil wir den Anspruch haben, gute Sachen zu machen und entstehen zu lassen. Es kann aber auch ganz, ganz schnell gehen, aber ich kann es noch nicht genau sagen. 

LifeOnStage.Net: Stefanie, vielen Dank für deine Zeit und das Interview!

(A.E.)

SILBERMOND Open Air Termine 2013

15.05.2013 – (A) – GRAZ – STADTHALLEN OPEN AIR GELÄNDE

16.05.2013 – (A) – SALZBURG – DOMPLATZ

17.05.2013 – (A) – WIEN – SOMMERARENA

25.05.2013 – SCHWERIN – SCHLOSSGARTEN

16.06.2013 – FULDA – UNIVERSITÄTSPLATZ

20.06.2013 – HANNOVER – 100 JAHRE RATHAUS – EINTRITT FREI!

22.06.2013 – TETTNANG – SCHLOSSGARTEN

23.06.2013 – SCHWÄBISCH GMÜND – SCHIEßTALPLATZ

28.06.2013 – STADE – STADEUM

11.07.2013 – MÜNCHEN – TOLLWOOD FESTIVAL

13.07.2013 – GAGGENAU – BENZPLATZ

02.08.2013 – WEILBURG – FESTPLATZ

09.08.2013 – (CH) – SCHAFFHAUSEN – STARS IN TOWN

10.08.2013 – ROTTENBURG – EUGEN-BOLZ-PLATZ

16.08. – 18.08.2013 – GROßPOESNA B. LEIPZIG – HIGHFIELD FESTIVAL

23.08.2013 – BOCHUM – ZELTFESTIVAL RUHR

31.08.2013 – JÜCHEN – RED HOT OPEN AIR GELÄNDE

01.09.2013 – OELDE – VIERJAHRESZEITEN PARK – WALDBÜHNE – AUSVERKAUFT!

06.09.2013 – MAGDEBURG – DOMPLATZ

20.09.2013 – (CH) – SCHUPFART – SCHUPFART FESTIVAL

Fotos Sibermond Olympiahalle München (18.12.12)

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PULS-Moderatorin Ann-Kathrin Mittelstraß – ©BR Max Hofstetter

Wenn sich die eine Tür schließt, öffnet sich eine andere, heißt es immer. Und Veränderung ist in den meisten Fällen auch nicht schlecht, vor allem nicht, wenn alle an einem Strang ziehen und von dem, was sie machen, selbst begeistert sind und diese Begeisterung auch nach außen tragen.

Bei den Türen, die sich schließen und öffnen, handelt es sich um Formate des Bayerischen Rundfunks: Die bisherigen Formate on3 und Südwild werden zu PULS. PULS ist ein neues Jugendprogramm, welches sowohl Radio als auch Fernsehen in sich vereint und auf Jugendlichkeit, Innovation, Kommunikation und Interaktion setzt. Die Idee dazu ist bereits letztes Jahr entstanden, Programmplanung und Umsetzung begannen im November.

Trimedial ist hier das Schlüsselwort, denn PULS wird unter der Leitung von Thomas Müller und Walter Schmich im Radio, TV und im Internet vertreten sein.

Aber was erwartet einen nun bei den jeweiligen Formaten, welche Sendungen wird es geben? Woran orientiert sich PULS? Wir haben uns vorab bei der Presseeinladung im Café Kosmos für euch schlau gemacht.

© LifeOnStage.Net

Das Format on3 wird nicht 1:1 übernommen – es kommen neue Sendungen, welche vielversprechend klingen und neugierig machen. Ganz nach dem Motto „Jung, innovativ und am Zahn der Zeit“ bietet „Dieses neue Radio“ ein 24 Stunden-Vollprogramm an, welches aus den verschiedensten Sendungen besteht und die einen vom Morgen an bis in den Abend durch den Tag führen. Besonders wichtig ist hier auch, dass die junge Szene Münchens und Bayerns im Vordergrund steht, Zielgruppe sind die 19 – bis 29-Jährigen. Im Fokus liegen hier die Interessen derer, die noch keinen festen Job haben, sich noch orientieren wollen oder vielleicht auch gerade erst von zu Hause ausgezogen sind.

© LifeOnStage.Net

Das Radioprogramm setzt auf junge, hippe Musik, welche sich aber musikalisch nicht zu sehr vom Mainstream hin in ultimative und extreme Nischen wegbewegt. Mit seinen Sendungen will PULS den Menschen verschiedenste Musik nahe bringen, welche von Indie, Rock, Pop über Hip Hop, Reggae bis hin zu Elektro oder auch Gitarrenmusik. Somit wird wohl jeder auf seine Kosten kommen. Dass hier auf Abwechslung gesetzt wird, zeigt sich auch im Programm, welches aus einer Morningshow und verschiedenen musikjournalistischen Sendungen besteht. Es wird einige Features geben, Live-DJ-Sets oder auch das ein oder andere Bandinterview. Das wohl meist gehasste Wort heißt hier „Langeweile“ und diese wird mit dem neuen Programm definitiv nicht aufkommen. PULS soll nicht auf Teufel komm raus in sein oder gar für alles stehen wollen, aber sich für nichts einsetzen wollen. Es ist vor allem ein Programm FÜR junge Leute VON jungen Leuten. Es wird mit dem Feedback derer gearbeitet, die einschalten, hinhören und zugucken. Da PULS zum BR gehört, wird es auch eine Sendung unter dem Namen „PULS in Bayern 3“ geben, bei der von 22 Uhr bis 5 Uhr von den PULS-Radiomachern auf den Schaltwellen von Bayern 3 moderiert wird, eine UkW-Frequenz ist bisher leider noch nicht in Aussicht.

PULS-TV-Moderatoren Sebastian Meinberg & Vivian Perkovic ©BR

Auch im TV wird Südwild durch einige Änderungen und Neuerungen abgelöst werden. Einige werden sich nun fragen, was aus der Startrampe wird, doch hier kann Entwarnung gegeben werden: Diese bleibt nach wie vor bestehen. Es werden weiterhin junge Nachwuchskünstler gefördert, welche wieder bei den Staffeln mitmachen werden – dieses Jahr werden es sogar drei Staffeln statt den üblichen zwei sein.

©LifeOnStage.Net

Das Programm im TV hält ebenfalls viel bereit, unter anderem Formate wie „Umzug!“ oder auch „Woidboyz WaschGang“. Hier wird darauf gesetzt, dass es kein Unterschichten-TV ist, sondern authentisch und wirklich nah am Leben. Neben den beiden oben genannten Formaten werden sich die beiden Moderatoren Vivian Perkovic und Sebastian Meinberg aktuellen Themen widmen, junge Menschen auf der Straße befragen und ebenfalls darauf setzen, dass das Fernsehen vielleicht nicht revolutioniert, aber zumindest niveauvoller, spannender und witziger wird.

Mit einem Team aus vielen jungen Menschen, welche bereits schon alle Erfahrung gesammelt haben und auch bei on3 oder Südwild dabei waren, geht es nun also auf in eine neue Ära. Wir freuen uns auf News, Musik, spannende Beiträge und sind gespannt, für wie viel Wirbel dieser frische Wind sorgen wird.

PULS-Moderatorin Ann-Kathrin Mittelstraß – ©BR Max Hofstetter

Ab jetzt heißt es also: Einschalten, Freunde! Die detaillierten Formate und Sendezeiten sowie weitere Informationen findet ihr ab dem 15. Mai unter www.deinpuls.de.(A.E)

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Von einer Straßenmusikerin hin zu einer international geschätzten und anerkannten Künstlerin. Isabelle Geffroy aka ZAZ weiß, ihr Publikum mit ihrer rauchigen, einzigartigen und charakteristischen Stimme zu beeindrucken. Sie ist Französin durch und durch. Allerdings keine, welche affektiert auf Louboutin-High Heels und Chanel-Täschchen über die Champs-Elysées stöckelt, sondern eine, die ihr Handwerk im Künstlerviertel Montmartre gelernt hat.

Unkompliziert, authentisch, fröhlich und locker, so präsentierte sich ZAZ und legte dabei keinerlei unangenehme Allüren an den Tag. Ihre Band im Hintergrund hielt sich auch in eben diesem, wenngleich sie musikalisch perfekt eingesetzt war.

Einige Songs lang saß Isabelle Geffroy, bei schnelleren Titeln tanzte, hüpfte und sprang sie auf der Bühne umher; anfänglich hatte sie es ein wenig schwer, da das neue Album „Recto Verso“ erst vor zwei Tagen veröffentlich wurde. Das Publikum, eine bunte Mischung aus frankophilen (Pseudo-)Intellektuellen, Musikliebhabern und „Auf fast jedes Konzert-Geher“ wippte zunächst höflich mit dem Fuß, bis etwas mehr Stimmung aufkam und bei den bereits bekannten Songs des vorigen Albums „ZAZ“ mitgesungen wurde. Besonders die Hit-Single „Je veux“ wurde gefeiert, die ausverkaufte Freiheiz-Halle sang die Zeilen „Je veux de l’amour, de la joie, de la bon humeur, ce n’est pas votre argent qui fera mon bonheur“, welche sowohl Ohrwurmcharakter haben, als auch eine harsche Kritik an der Gesellschaft üben. Leichtigkeit, Freude, der Hauch von Freiheit – das alles vereint ZAZ in ihrer Musik, in ihren Zeilen, in ihren Melodien, welche berühren, bewegen und zum Nachdenken anregen.

Wer sie noch aus der Zeit kennt, als sie mit einem Bassisten auf der Straße gestanden ist und ihre Songs ohne Mikro, ohne Bühnenshow, ohne Band performt hat, hat wohl an diesem Abend deutlich gemerkt, welche immense Entwicklung die Sängerin aus Tours gemacht hat. Ein Song, der mehr Aufmerksamkeit erregt hat, als sie sich je hat vorstellen können und dann kam auch der internationale Erfolg, über 1,5 Millionen verkaufte Platten, Auszeichnungen über Auszeichnungen, ein Major-Label-Vertrag und viele, viele Shows.

Ja, sie beherrscht die Bühne, doch der Eindruck, dass sie sich nicht vollkommen wohlfühlt, kam immer mehr auf.

Titel wie „Si“ oder „Si je perds“ finden Anklang, das Publikum ist hingerissen von dieser einzigartigen Stimme, welche unter die Haut geht und trotz ihrer Heiterkeit so unglaublich melancholisch und ernst klingen kann.

Ein wenig schade für einige Zuschauer, dass ZAZ fast ausschließlich Französisch gesprochen hat und ihrem Temperament getreu, sehr schnell. Die Lacher hatte sie zwar auf ihrer Seite, wenngleich einige vielleicht nicht wussten, was denn nun so witzig gewesen ist.

Ein kühler Frühlingsabend mit hervorragender Musik, einer sehr guten Band und einer Ausnahmekünstlerin, welche sich aus der Masse der Angebotsvielfalt hervorhebt und abwechslungsreiche, französische Musik auf den Markt bringt. Es sind nicht bloß „irgendwelche“ Chansons, sondern Titel, welche nachhaltig sind, ohne nach dem dritten Hören auf die Nerven zu fallen. Songs, welche Tiefe haben, deren Texte sich nicht reimen, nur um sich irgendwie zu reimen. Ein Gesamtpaket, welche unangepasst ist und gerade deswegen so herrlich unkompliziert und schlicht schön ist.

Am Ende trat ZAZ für drei Zugaben mit ihrer Band nochmals auf die Bühne – nun mit Bayern-Trikots an. Die Begeisterung im Saal kannte kaum Grenzen und damit hatte sie wohl (fast) alle Sympathien für sich gewonnen.

Alors, chapeau, ZAZ, wir freuen uns auf weitere Projekte und Musik aus Frankreich und hören bis dahin „Recto Verso“.(A.E.)

Fotos ZAZ

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München, 12.05.13.   Rund 2.000 begeisterte Musikfans starteten am heutigen Samstag mit „The Overtones“ in der BMW Welt in die Lange Nacht der Musik in München. Mit ihrer Mischung aus Pop und Musikelementen der 50er und 60er Jahre sowie Hits wie „Gambling Man“ oder „Say what I feel“ versetzte die britisch-irische Vocal Harmony Band die Münchner Besucher in die richtige Stimmung für eine lange musikalische Nacht.

Für ein Dutzend Fans hatte die BMW Welt ein exklusives Treffen mit den Künstlern ermöglicht. Diese konnten die fünf Bandmitglieder vor dem Konzert ganz privat kennenlernen.(BMW AG)

Fotos “The Overtones“

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Wer sich also einen aktuellen Überblick über die Münchner- und Umland-Musikszene verschaffen und gleichzeitig auf das Jubiläum anstoßen möchte, kann sich auf dem gesamten Gelände des Muffatwerkes treiben lassen und in vollen Zügen die Popkultur unserer Stadt genießen.

Mit dabei sind: Bluekilla, Elektrik Kezy Mezy, Rhytm Police, Killerpilze, Instrument, The Moonband, Cat Sun Flower, Talking Pets, Exclusive, Tuó, Stray Colors, Benito & Kestin, Jesper Munk, Co-conami, Lisiena, List, Mexican Elvis, Balloon Pilot und Phil Vetter.

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Motorpsycho, ihres Zeichens schon seit 24 Jahren auf der Bühne, bringen norwegischen Psychedelic -Rock mit und spielen minutenlange Songs, bei denen es gehörig etwas auf die Ohren gibt.

Mit langen Haaren und Bärten bedienen sie perfekt das Klischee, welches mit diesem Genre unweigerlich verbunden ist. Jedoch sind sie keineswegs unauthentisch, langweilig oder “pseudo-true”. Sie machen ihr Ding, was an ihrer kontinuierlichen Diskographie durchweg ersichtlich ist. 2013 mit “Still Life with Eggplant” auf Tour, hält das neue Album einige Neuerungen bereit, doch sie sind unverkennbar und sich sehr treu geblieben. Sie versuchen nicht, an den Erfolg von Vorgänger-Alben anzuknüpfen oder gar eine fulminante Show zu liefern. Sie sind sie selbst, in ihrer Musik und auch auf der Bühne. Beinahe jeder Titel wird hier zum wirklichen Live-Act ausgebaut, nichts klingt künstlich abgemischt.

Einige stimmliche Unfeinheiten ergaben sich bei diversen Songs, als Gitarrist Hans Magnus Ryan ebenfalls ins Mikro tönte; hier stellt sich die Frage, ob es nicht ausreichend gewesen wäre, diese Parts nur mit Solo-Gesang zu besetzen. Diese Schnitzer wurden jedoch durch beeindruckende Instrumentaleinlagen wieder wett gemacht. Ein wenig unkommunikativ präsentierten sich Motorpsycho jedoch auch gerade deswegen, waren sie immens konzentriert und vertieft in ihre Musik.

Das Publikum, welches die Songs zum Teil in-und auswendig kannte, war begeistert, jubelte und feierte die Norweger durchweg. Eine willkommene Abwechslung im Einheitsbrei des Psychedelic-Rock und all den Bands, deren Musikrichtung sich offiziell so nennen darf.(A.E.)

Fotos Motorpsycho

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Isabelle Geffroy kam von der Straßenmusik, ihre Stimme nicht fein oder lyrisch, sondern ehrlich, direkt, rauchig, beinahe das, was man zuweilen “rotzig” nennen würde, jedoch ohne jegliche negative Konnotation. Denn sie kann auch weich, sensibel und zart. In den letzten zweieinhalb Jahren hat sie eine rasante Reise hinter sich: Mit über 1,5 Millionen verkauften Platten des ersten Albums „ZAZ“ und mehrfachen Auszeichnungen, gelang der Sängerin ein immenser Erfolg. Mit dem neuen Album, welches sehnsüchtig erwartet wurde, legt sie nun nach und ja, es kann sich sehen lassen.

In Titeln wie “Comme ci, comme ça” wird der Albumtitel aufgenommen, “Recto Verso”, zu Deutsch “Beiderseitig”. Dass sie ambivalent ist, zeigt die Sängerin in vielen ihrer Songs. Nicht nur textlich, sondern auch musikalisch. Von Chansons über Pop bis hin zu folkloristische Nummern ist alles vertreten. Ein wenig eintönig wird es bei „La Lessive“ und „Toujours“, denn hier kommt die Gefahr auf, dass sich das, was auf dem ersten Album so erfolgreich ankam, hier ganz schnell wiederholt. In dem Genre der Chansons verhaftet, bietet dies keinen allzu immens großen Spielraum. Und dennoch schafft es Geffroy, sich ihren Weg zu bahnen – musikalisch immer ein wenig frischer, immer ein wenig fröhlicher als die anderen.

Bei der Musik dieses Albums hat man das Gefühl, man sei in einem zweiten „Amélie-Film“ oder in einem Pariser Straßencafé und beobachte das Treiben um einen herum, während im Hintergrund leise, aber deutlich eine talentierte Straßenmusikband spielt. Und hier ist ZAZ etwas Wunderbares gelungen: Erneut schaffen sie es, den Hörer mit ihrer Musik in den Bann der französischen Melodien zu ziehen. Für die Länge der Songs bleibt die Welt um einen herum vergessen, sie ist ein wenig bunter, lebhafter.

Was bei ihrem alten Album bei der Songabfolge noch ein wenig haperte, wurde hier nun verbessert. Man merkt zunehmende musikalische Tiefe, die Songs stehen an der richtigen Stelle und scheinen ihren festen Platz in der Abfolge gefunden zu haben. Die Nachricht kommt an: „Ich möchte mich nicht entscheiden, denn es gibt nicht nur Schwarz oder Weiß im Leben, sondern auch grau oder bunt.“ Ein Statement, welches durch die Musik vermittelt wird und durchweg unterstützt wird.

Melancholischer und auch nachdenklicher wird es bei den Titeln „Si“ und „La Lune“ – hier möchte man die Augen schließen und denkt sich weit weg. Dadurch, dass sie ein sehr flapsiges Französisch singt und spricht, kommen hier einige Passagen sehr ambivalent durch. Auf der einen Seite zeigt es die nicht vorhandene Notwendigkeit, die Traurigkeit zu deutlich auszusprechen und auf der anderen Seite vielleicht auch schon die Akzeptanz, dass das Leben nicht immer schön und bunt sein kann, sondern dass es auch Dinge gibt, die verletzen können.

In ihrer Stimme liegt eine unerklärliche Weisheit, welche jedoch niemals überheblich durchdringt; Isabelle Geffroy, ihres Zeichens Weltenbummlerin und Reiseliebhaberin, hat schon viel gesehen, nicht zuletzt auch die Straßenmusik im Pariser Künstlerviertel Montmartre.

Dass sie viele verschiedene Stile in ihre Musik mit einbezieht, wird bei „Recto Verso“ noch deutlicher als bei „ZAZ“ – dass Jazz durchaus mit Pop und Chansons vereinbar ist, verdeutlicht die Sängerin bei Tracks wie „Cette Journée“ und „J’ai tant escamoté“. Die Titel der einzelnen Songs sind auffallend kurz gehalten, weiß Isabelle Geffroy, sich auch mit wenigen Worten sehr gut auszudrücken. Auch für diejenigen, die Französisch nicht so einwandfrei beherrschen, kommt eine Nachricht in der Musik rüber, denn Musik, und das wird mit diesem Album einmal mehr deutlich, ist international und verfügt über keinerlei Sprachbarrieren.

Die auffälligen orchestralen Momente, die hier häufiger eingesetzt wurden als bei „ZAZ“, tragen zu den abwechslungsreichen Songs bei. Das Gefühl, dass es voran geht, dass es tanzbare, singbare und das Ohr umschmeichelnde Melodien sind.  Melodien, die ins Ohr gehen, ganz besonders „On Ira“, „La Lune“, „Si“ und „Déterre“. Wenn zwar nicht alle tanzbar, so haben sie umso mehr Potenzial, Ohrwürmer zu werden.

Dass es auch alles in allem poppiger als der Vorgänger geworden ist, merkt man gegen Ende einiger Titel sehr deutlich, wenn die chanson-haften Passagen ein wenig nachlassen und deutlich hörbar ist, dass nicht mehr so sehr auf Raffinesse als auf Eingängigkeit gesetzt wurde. Eingängigkeit und teilweise Verwechslungsgefahr mit einigen Vorgängern, welche aber wieder durch unerwartete Momente in den Songs selbst wett gemacht wird. Ja, man hat vielleicht Angst, genau hinzuhören, weil man nicht will, dass es klingt wie etwas bereits Dagewesenes. Man wird nicht enttäuscht.

ZAZ wollten der Welt definitiv nichts mit einem zweiten Album beweisen, am wenigsten sich selbst. Es ist zwar durchkonstruiert, doch die Musik klingt immer noch frei, authentisch und keineswegs gestellt oder unecht.

Was 2010 vielleicht noch etwas verspielt oder unreif klang, ist nun strukturiert, durchdacht, erwachsen und handfester. Musikalisch nach wie vor einwandfrei, besteht dieses Album aus Titeln, welche in eine Richtung drängen, mit der ZAZ sagen wollen „Jetzt erst recht“. Keine Attitüde der Art „Hört alle her, uns gibt es noch“. Nicht laut, sondern auch zuweilen sehr leise, ruhig und bedacht klingen die Titel. Eine musikalische Reise der besonderen Art, denn endlich gibt es wieder französische Musik, welche nicht mit nervigen Elektrobeats unterlegt sein muss, um gut zu sein.

Nun heißt es also „On ira“ und zwar zum Plattenladen eures Vertrauens oder auch online zu Amazon oder iTunes, wo das Album ab dem 10.05.13 verfügbar ist.(A.E.)

ZAZ im Internet: www.zazofficial.com

ZAZ Deutschland – Tourtermine:

05.05. HAMBURG – Fliegende Bauten – SOLD OUT

06.05. BERLIN – Heimathafen

09.05. KÖLN – Gloria – SOLD OUT

12.05. MÜNCHEN – Freiheiz – SOLD OUT

25.06. ABENBERG  – Burg Abenberg

03.07. BONN – Kunst!Rasen

04.07. STUTTGART – jazz Open

07.07. MAINZ – SWR Summer Festival

08.07. MÜNCHEN – Tollwood Festival

22.07. SINGEN – Hohentwiel Festival

02.08. BERLIN – Citadel Music Festival

03.08. DRESDEN – Junge Garde

09.08. HAMBURG – Stadtpark OpenR

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